BAFICIL

por oac

Ocio (Juan Villegas y Alejandro Lingenti, adaptación cinematográfica de una novela de Fabián Casas): Dieciocho años después de Rapado, el modelo "adolescente porteño ensimismado" parece irremediablemente agotado. El mutismo o la cortedad de palabra no pueden ya transformarse en sugestión y ni siquiera en evocación o parodia; sólo funcionan como clisé extenuado. Por más que el joven intepretado por Nahuel Viale deambule por los barrios de la zona sur de la ciudad, por más que el motivo de su cerrazón se vincule con la reciente muerte de la madre, o que escuche a Pescado Rabioso y Manal, en lugar de Mi pequeña muerte, Jaime sin Tierra o La Foca, nada de eso alcanza a quitar el gusto a deja vu. Obviamente que las variaciones podrían ser infinitas, los motivos por los que a estos personajes jóvenes les cuesta hablar, las bandas que curten o las calles que trotan: pero insuflarle vida a un artefacto previsible empieza a parecerse a una tarea vana. La ciudad invernal de tonos cenicientos está fotografiada de una manera seductora, pero en ese caso los personajes, con sus conflictos irrisorios, estarían de mas.

Una grave falla de Ocio se vincula a la falta de integración de algunas secuencias frondosamente habladas en medio de extensos silencios. Las parrafadas acerca del personaje de historietas de Billiken, el gordito de la terraza o el inmigrante ucraniano puede que funcionaran de otra manera en el contexto de la novela de origen firmada por Fabíán Casas; no lo sé: acá aparecen como injertos. Para colmo, cada una de estas escenas está jugada en un registro oral diferente, lo que acentúa su impertinencia.

Ocio es un lugar común demasiado codificado como para producir algún efecto distinto de la fatiga. Otra vez será.



The robber (Benjamin Heisenberg): este nuevo o, más que nuevo, novísimo cine alemán se suele caracterizar por una corrección aséptica. Basada en un hecho real, la película cuenta la historia de un maratonista ladrón y homicida y casi la mitad de su metraje está dedicada a una fuga maratónica, mientras es perseguido por un operativo conjunto de las fuerzas de seguridad. El montaje, la fotografía, el trabajo de cámara son de una pulcritud y un virtuosismo exasperantes y carentes de alma. El remate de cada secuencida se adivina cinco minutos antes y el entretenimiento consiste en constatar lo bien montada que está la escena. Overrated.



Hadewijch: Bruno Dumont se ha ido ganando la fama de personaje intratable y dueño de un estilo cinematográfico a la vez áspero y refinado. El link hacia el cine de Robert Bresson es materia de divulgación. Y Hadewijch venía anunciada como un film de madurez, intenso y polémico. La impresión que me causa es que Dumont maneja ciertos resortes expresivos con suma habilidad: Hadewijch contiene dos o tres escenas de sugestión notable. Pero, a medida que se desenvuelve este drama centrado en una adolescente inclinada al misticismo hasta sus variantes más extremas, todo empieza a sonar impostado, sobre-explicado. Ver Hadewijch implica añorar a Bresson, en todas y cada una de las mútiples referencias de las que Dumont abusa: a los paisajes invernales del Diario de un cura rural, el ambiente carcelario de El dinero, el misticismo monacal de Los ángeles del pecado, la santidad lindante con la demencia de El proceso de Juana de Arco, los jóvenes revoltosos de El diablo, probablemente y, por supuesto, las mil y una referencias a Mouchette. Invocar tantas veces a Bresson y poner en cada caso diálogos explicativos de los dilemas existenciales de sus personajes sólo puede ir en detrimento de Dumont. El final, con la apelación al más carnal amor al prójimo, sólo nos permite extrañar la concisión demoledora de la Rosetta dardeniana. Si necesitáramos discípulos bressonianos de real valía, ya los tenemos a los hermanos Dardenne.

En Hadewijch todo luce demasiado bonito como para trasmitir esa espiritualidad que Dumont declama en sus entrevistas. Al final de la proyección de Hadewijch en el Hoyts aparece Dumont a dialogar con el público. Alguien lo felicita por la belleza de los paisajes y él explica que el bosque "representa" el interior de la protagonista, dado que el interior propiamente dicho no puede filmarse. Alguien le dice a Dumont que le llama la atención la religiosidad de su película: él responde que no es creyente pero que cree en la espiritualidad del ser humano y que su religión es el cine. Suficiente chamuyo para denotar su impostura. Quizá se trata de la más sobrevalorada de todas las películas de este Bafici.



Yellow kid: el mejor modo de desintoxicarse de tanta pompa y circunstancia viene de la mano del jovencísimo Mariko Tetsuya. Pop japonés: esta etiqueta no debe llamar a engaño, ya hay muchas muestras de que lo que los japoneses entienden por "pop" goza de una energía, una libertad y un desenfado que al pop occidental le resultan totalmente desconocidos. Aquí el cineasta veinteañero cruza el lenguaje del comic (el "Yellow Kid" del título) con las vidas oscuras del creador de la historieta y la persona real en la que se inspira. El resultado sorprende continuamente. Y esa energía tan atractiva en algún momento se desboca y parece írsele de las manos a Tetsuya; y, aún así, sigue interesando, incluso en la sorpresiva escena posterior a los títulos del final.